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Sebastián Boesmi


  Sebastián Boesmi Imagen, no rx color y caos - Por VALERIA GALLARINI SIENRA


Sebastián Boesmi Imagen, no rx color y caos - Por VALERIA GALLARINI SIENRA

Sebastián Boesmi

Imagen, no rx color y caos


Por VALERIA GALLARINI SIENRA

 

 

No es la primera vez que me toca entrevistar a Sebastián Boesmi, pero desde que lo hice para esta misma revista varios años atrás, hablando sobre su primera muestra, Campo Proteico, la carrera de Sebastián ha tomado varios giros, acompañando sus giras por el mundo ya que desde aquella época le ha tocado vivir una larga temporada en París tras haber ganado el premio Matisse para, posteriormente, trasladarse e instalarse por varios años en Barcelona. Recientemente, decidió mudarse nuevamente a Berlín, donde está residiendo desde mediados de este año.

En todos estos años su obra ha pasado diversas transformaciones, pero siempre manteniendo su esencia lúdica y absolutamente espontánea. Hoy ante su primera retrospectiva, les invitamos a compartir con este joven y talentosísimo artista un breve intercambio en el cual el artista no solo mira atrás, a los sitios que habitó y que habitaron en su obra, sino también nos habla sobre su presente y sus planes.


¿De dónde viene el título de tu última muestra, Filogenia?

Filogenia está considerada estrictamente como la relación de parentesco entre especies. Creo que existe un orden que escapa a la medición de la ciencia y que se encarga de la evolución y transmisión del imaginario. ¿Por qué solo los componentes físicos como el color de la piel, ciertas aptitudes relacionadas con el medio donde se desarrolla la especie, o relacionadas con aptitudes y necesidades, pueden ser transmitidas de generación en generación? Édgar Morín y Cornelius Castoriadis investigaron a profundidad los conceptos de imaginarios colectivos y sociales, pero quizás hayan cosas que la ciencia no pueda probar y que por medio del arte pueden ser cuestionadas: la posibilidad de que los seres humanos puedan tener ya predeterminados su propio imaginario es una de ellas. ¿Por qué no pueden transmitirse las imágenes? Quizás un bebé que nazca en este momento acarree consigo un imaginario de signos, logos y hasta emociones que sería diferente a uno que nació hace 200 años. Nada viene de la nada y creo que al igual que una computadora, necesitamos una analogía mínima de base para poder desarrollar una ecuación que pueda ser el disparador de todo lo que representa la construcción mental, emocional y visual de un ser humano. Creo que las imágenes se transmiten y creo que el arte se contagia.


Siendo que vivimos en un mundo donde las imágenes tienen cada vez más fuerza, ¿cómo te imaginás el alcance del imaginario colectivo en generaciones futuras?

Me imagino que algún día se va a acabar todo este sistema de la profusión de imágenes de consumo, de la publicidad desmedida, la tendencia consumista en lo visual que considero que hoy en día es algo salvaje. Cuando pienso en la obra de Marcel Duchamp, La rueda de bicicleta, me nace la pregunta ¿hasta cuándo?, porque para mí esa rueda significa ese ciclo inacabable. Me pregunto hasta cuándo va a durar esto y cuándo va a cambiar el mundo, porque el arte cambia cuando el mundo lo hace. Me intriga mucho este “hasta cuándo”.


Ahora mismo estás con dos muestras en simultáneo en dos espacios de arte muy importantes. Contame más sobre estas muestras.

Tengo dos exposiciones, una titulada Mess is More, en la Galería Fábrica, y otra titulada Filogenia, en la Fundación Migliorisi del Centro de Artes Visuales Museo del Barro. La colección Mess is More, que significa “el desastre es más”, es una colección de pinturas recientes que va a estar expuesta hasta mediados de enero. En esta colección de obras lo que prima es el desastre, pero un desastre cuidado, un desastre espontáneo.

Para esta muestra incursioné en técnicas con las cuales no había trabajado antes y las cosas no siempre salen como uno espera. El desastre siempre está presente en el arte mismo. Recuerdo que una vez dejé mi taller abierto, y llovió y entró el agua mojando todos los cuadros que estaban en el piso. Mi familia no paraba de decir: “qué desastre”, pero a mí me encantó como quedaron, me parecía que había quedado algo interesante. Siempre la espontaneidad, el caos y el desastre yo creo que tienen que ver en el acabado de una pieza.

En cuanto a Filogenia, quisiera resaltar que para esta muestra conté con el apoyo de la Embajada alemana en el Paraguay. Es increíble que una embajada se acerque a uno y le proponga apoyar su trabajo, eso es algo que se agradece un montón ya que generalmente somos los artistas quienes tenemos que salir a tocar varias puertas. Así que estoy sumamente agradecido con la Embajada de Alemania. Esta exposición a mí me interesa mucho, ya que considero que es importante registrar las cosas; y si bien yo soy un artista con aún pocos años de carrera –solo 12 o 13 años de carrera que a mi parecer no es nada– en este momento tener la oportunidad de poder ver conjugadas en una sala de 178 m2 de un museo, piezas mías de diferentes momentos, es algo maravilloso. Es como volver a encontrarse con gente a quien no le veías desde hace años y encontrarlas a todas juntas en un mismo lugar. Es como morirse y encontrarse con toda la gente en el cielo. Son obras muy dispares, hechas en distintos momentos, algunas de ellas en París, otras para mi primera exposición.

Poder ver todas esas obras juntas, poder hacer un análisis de ellas es genial. Pero, por sobre todo, el hecho que se registre esto es muy importante, ya que se va a hacer un catálogo que se va a lanzar el 9 de enero de 2016 en la Fundación Migliorisi. Así mis obras van a quedar catalogadas. También estas piezas están en colecciones privadas y considero importante pensar en la comunidad, y hacer una exposición sin una intención comercial, sino que la intención sea simplemente difundir mi trabajo y que la gente pueda verlo.


¿Cuál fue tu proceso de selección?

Si bien la muestra Filogenia la monté junto con el curador Damián Cabrera, el proceso de selección fue mío. Para la selección, tuve en cuenta las obras que fueron más importantes para mí en los momentos en los cuales las hice.


¿Cuál fue uno de tus grandes reencuentros al buscar de nuevo tus obras para esta muestra?

Sin lugar a duda, Spam. Esta fue la primera obra que hice al llegar a París. Si bien mis obras están casi siempre entre lo abstracto y figurativo, esta obra es completamente abstracta. Es un pintura de casi 2 x 2 metros que la empecé a pintar el día mismo que llegué a Francia. La pinté escuchando la radio en francés sin entenderlo y pintaba casi obsesivamente las declinaciones del lenguaje.

Pintaba por días y días estas declinaciones que para mi mente era como spam, ya que no sabía hablar francés. Gracias a esta obra pude exponer en una galería en París y también me dio una enorme satisfacción ya que estuvo expuesta en el Museo de Arte Moderno de Valencia, fue seleccionada por la Fundación Bancaja de España, que eligió a 20 artistas entre 1500 artistas presentados a nivel mundial.


En todos estos años que venís viviendo en diferentes países, ¿sentís que los ambientes que habitás influencian tu obra?

El medio te condiciona en un 100 %. Creo que más que un país lo que te condiciona aún más es tu ambiente inmediato, tu barrio. En Barcelona vivía en un barrio que estaba lleno de bares donde se escuchaba heavy metal y mi paisaje inmediato al salir al balcón era motos, tachas, cuero, hombres con cabello largo y calzas de cebra. Era un paisaje un poco más oscuro y más dark, pero seguía siendo lúdico e irónico. Mi obra se volvió más oscura.

Después viajé a Berlín y exploté con el color. Si bien siempre usé el color en mis obras, en Berlín empecé a usar muchos colores fluo. Al viajar me di cuenta de que cada país tiene sus propios colores. El color de cada ciudad termina influyendo en la obra. Al comprar los materiales siempre hay pequeñas variaciones cromáticas. El fluo de Berlín no es igual al de otros países, un rojo carmín en Francia es distinto al que vas a encontrar en otro lugar.

Estando ya en Berlín mandé obras a mi galería en Barcelona y me contó el galerista que entraron dos personas a preguntar si el artista era alemán ya que los colores fluo que usé eran característicos de Alemania. Esto puede parecer algo insignificante, pero a mí que me interesa mucho lo visual y cómo se percibe el color, me es muy interesante esta percepción.

Por otro lado, el viajar me hizo ser mucho más libre. El tener que empezar siempre de cero, el perder el miedo, el perder el apego a lo material, todo eso es muy enriquecedor para cualquier persona, pero más para alguien creativo.


¿Tenés planeado volver a Paraguay?

Por supuesto que sí. Ahora estoy en un momento que en vez de pensar tanto en ¿adónde me puedo ir?, estoy pensando más en ¿a dónde voy a regresar? Ya llevo casi 7 años viviendo en Europa. Nunca fue mi intención ir tanto tiempo. Fui en un principio por el Premio Matisse, y las cosas se fueron dando y consideré oportuno y pertinente quedarme. Pero en todo este tiempo siempre regresé a Paraguay, nunca sentí un desapego ya que siempre me ocupé de que mis obras también siguieran circulando en Paraguay.


A nivel artístico, ¿qué planes tenés?

El año que viene tengo planeado hacer un máster en Berlín, formarme y leer más. Mi plan es tener un 2016 lleno de nuevas lecturas. Me siento ávido de conocimiento. En estos últimos tiempos en Berlín me di cuenta de lo importante que es conocer en profundidad lo que estás haciendo.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Fuente: High Class Revista

Enero 2016

Páginas 35 al 39

www.highclass.com.py

 

 

 

 

 

 

 

 

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